• Jueves 2 de junio, a las 20:00 horas. Inauguración de la exposición y performance de Olalla Gómez, Ir de etiqueta, a cargo de Javier Cuevas.

• Viernes 3 de junio, a las 17:00 horas. Salón de Actos de TEA. Mesa de debate: Las mujeres en el sistema artístico español. Participantes: Olalla Gómez, Raisa Maudit, Maria Cañas y Adonay Bermúdez. Modera: Yolanda Peralta.
• Viernes 24 de junio, a las 20:00 horas. Visita guiada performativa: Who is this boy?. A cargo de Vera Icon.
• Martes 5 de julio, a las 20:00 horas. Salón de Actos de TEA. Conferencia: El género de la institución. A cargo de Manuel Segade, director del Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) de Móstoles.
• Viernes 8 de julio, a las 19:00 horas. Visita guiada a la exposición ¿Quién es ese hombre? a cargo de Adonay Bermúdez.
• Jueves 1 de septiembre, a las 19:00 horas. Salón de Actos de TEA. Presentación del catálogo de la exposición a cargo de Adonay Bermúdez y Yolanda Peralta. Charla-performance: Mi historia con Franco, a cargo de Eugenio Merino.

• Lectura y adoctrinamiento (2015), de Raisa Maudit (La Palma, 1986). Mediante la videoperformance, la artista lee un fragmento de El varón domado de Esther Vilar, libro antifeminista y pilar del Movimiento de Liberación de los Hombres. Cada vez que pronuncia la palabra varón, Maudit recibe un azote en el culo de manos de un hombre sin identidad (la figura masculina agresiva). Licenciada en Bellas Artes con especialidad en Imagen por la Universidad de Barcelona en 2010, Maudit se trasladó a Madrid donde realiza diferentes estudios y workshops tanto con artistas y colectivos artísticos, como estudios específicos sobre política, crítica tecnológica, TIC y género. Sus proyectos han estado presentes el galerías, ferias y museos en nacionales, latinoaméricanos y europeos.

• Una gran Iliure (2010), de Carlos Aires (Málaga, 1974) presenta una pirámide donde aparecen chicas de culo en pompa sustentando la silueta de un futbolista. Mediante esta obra el artista recurre a elementos populares e iconos ibéricos evidenciando un altar barroco a modo de retrato de la España actual. “Quiéreme aunque me duela”, dice uno de los discos de vinilos. Aires es licenciado y doctorado en Bellas Artes por la Facultad Alonso Cano de Granada y realizó el Master of European Arts and Cultures de la Leicester University y la Fontys Academy de Tilburg. Una vez concluida su licenciatura prorrogó su estancia en Holanda gracias a una de las Becas Manuel Rivera para la ampliación de estudios artísticos en el extranjero. Su obra ha podido verse en exposiciones organizadas por instituciones y museos como el Bozar de Bruselas, Artium de Vitoria-Gasteiz o el Museo Internacional de Arte Contemporáneo de Lanzarote, entre otros.

• Más adelante (2016), El viejo truco freudiano (2016) y La última mirada (2016) son las tres obras inéditas que Manuel Antonio Domínguez (Huelva, 1976) presenta en esta muestra. La cotidianeidad constituye uno de los temas centrales habituales en el trabajo de este artista, pudiéndose encontrar vínculos con la memoria, la sexualidad, las construcciones de identidad, los tabúes o los estereotipos. Domínguez destaca a la hora de abordar la masculinidad con exquisita sutileza. El hombre solitario que anhela, que tiene miedos, que se relaciona, que sufre, que obtiene placer, que envidia o que se halla dominado. Domínguez es Licenciado en Bellas Artes por la Politécnica de Valencia. En la actualidad trabaja con la Galería Ángeles Baños (Badajoz) con quien ha presentado su producción artística en ferias nacionales e internacionales.

• Allegories of destruction (2013), de Jorge García (Toledo, 1977). Esta obra presenta a hombres anónimos dominantes rodeados de iconos con una fuerte simbología popular: una horca, una alambrada metálica o una bandera. Las siluetas negras se proyectan mediante una larga secuencia, golpeando al espectador. Instalaciones, videos, fotografías, dibujos y objetos desde todas las dimensiones posibles son el recurso más habitual en la formalización de la obra de García. Sus propuestas abordan el diálogo entre individuo, arte, estructuras sociales y coyuntura histórica como eje central de su discurso. Su trabajo ha podido verse en exposiciones individuales y colectivas nacionales e internacionales.

• De la serie Barefaced, el artistaCyro García (Cádiz, 1978) presenta tres trabajos inéditos #Algarrobico, ocupación del dominio público (2015), Barefaced #Urbanización, especulación urbanística, (2015); y Barefaced #Gibraltar, paraíso fiscal, (2015) Expone tres personajes idénticos como representación del caradura y presenta al personaje sin escrúpulos, ambicioso y especulador. Aparece en primer plano en todas las fotografías, con traje inmaculado oscuro y máscara inexpresiva. Siempre delante de localizaciones elegidas por su impacto, abuso o especulación por parte de ciertos dirigentes. Cyro García es licenciado en Bellas Artes y obtiene en 2004 el Diploma de Estudios Avanzados y Suficiencia Investigadora por la Universidad de Granada, habiendo completado su formación con un año en la Escuela Voor Beeldende Vorming en Tilburg, Holanda. Su obra se ha expuesto en  Palma de Mallorca, Miami, Seúl, Camagüey, Washington o Vigo.

• You think you’re a man, but you’re a toy (2007), de David Trullo (Madrid, 1969), despliega una secuencia de hombres hieráticos. Se trata de una serie de fotografías donde se distinguen híbridos a medio camino entre lo humano y lo inanimado, entre lo real y lo artificial, entre la libertad y la esclavitud. Estereotipos de representación de la masculinidad partiendo de la figura de Geyperman. Trullo es licenciado en Bellas Artes por la Complutense de Madrid y ha realizado numerosas exposiciones en galerías, museos y centros de arte en Europa y América desde 1992. Ha participado en ferias y festivales como ARCO y PhotoEspaña en Madrid, Art Miami y The Armory Show en Estados Unidos.

• Líderes (2014), de Oier Gil (Gipuzkoa, 1990), es un vídeo compuesto por los cinco mandatarios que más muertes han provocado a lo largo del siglo XX. Cinco rostros que poco a poco se van tiñendo de rojo mientras suenan los himnos del país al que representan. Los dictadores se alimentan de su propia ideología hasta que acaban autodestruyéndose, haciéndose desaparecer a sí mismos. Sin embargo, el vídeo está en bucle y los mandatarios renacen, como las ideologías. Oier Gil es un artista internacional y conceptual que practica un arte sociopolítico y multidisciplinar poniendo en tela de juicio aspectos de desequilibrio. Captura fragmentos de realidad y relata el dinamismo humano para tratar de orientarlo hacia la lucha por el cambio. Licenciado en Bellas Artes y Máster Universitario en Artes Digitales, compagina su trabajo artístico con la realización del Posgrado en Marketing, Publicidad y Social Media y su tesis en Arte Contemporáneo. Ha expuesto su trabajo en Alemania, Argentina, Ecuador, Guatemala y España.

• El poder de la palabra (2016), obra inédita de Acaymo S. Cuesta (Gran Canaria, 1983), representa las tres religiones monoteístas con más adeptos a través del rostro de sus líderes actuales en la Tierra. El artista compone sus rostros con canutillos de papel tintados a modo de muro de las lamentaciones. La existencia, la permanencia y el dominio del hombre a través de la palabra (y del recuerdo). Acaymo S. Cuesta es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna y Master en Producción Artística por la Politécnica de Valencia. Fue residente en el estudio 7 del Espacio de Producción de Artes Visuales de La Regenta y ha participado en exposiciones nacionales e internacionales.

• We protect you from yourselves (2013), de Democracia (Pablo España e Iván López. Madrid, 2006), se centra en el abuso de poder. Muestra la figura del antidisturbios/policía como el hombre que está para protegernos y que, sin embargo, nos reprime. Es el símbolo por antonomasia de la brutalidad del Estado y mano ejecutora de la dictadura actual. Democracia es un equipo de trabajo constituido en Madrid en 2006. La práctica de Democracia se inicia a partir de la discusión y el enfrentamiento de ideas y formas de acción. El mismo hecho de trabajar en grupo fija un interés de intervención en el ámbito de lo social. Una de las estrategias habituales del colectivo es diluir las propuestas en ámbitos diferentes al artístico. Democracia también trabaja en el ámbito de la edición.

• ¿Quién es quién? (2015), del Colectivo Daños Colaterales (María González y Mariano López, Madrid 2006) recrea el juego de mesa del mismo nombre pero los protagonistas del juego original han sido sustituidos por personajes españoles reales que ocupan puestos de relevancia o tienen alta notoriedad en diferentes ámbitos. Durante su uso, el juego pone de relieve las estrechas relaciones que mantienen los personajes más influyentes de nuestro país con el franquismo. El Colectivo Daños Colaterales ridiculiza a estos personajes y actúa de la manera más básica: informando. El Colectivo Daños Colaterales comenzó sutrayectoria con la individual Tierra Prometida (2007) y que se consolidó como equipo permanente de trabajo con la colectiva Psicogeografías; espacio y memoria (Madrid, 2008-2009). Desde 2010 forman parte de los artistas seleccionados para el Archivo de creadores del Centro de Creación Contemporánea Matadero Madrid y del Archivo vital de artistas de Madrid.

• Punching Franco (2012), de Eugenio Merino (Madrid, 1975). El artista incita al espectador a golpear a Franco al que presenta a modo de saco de boxeo, lo invita a que sienta que está en su mano el generar el cambio y luchar por sus propios intereses. La figura dominante ha sido parodiada, permitiendo que se le pueda mirar a los ojos directamente y sin que pueda defenderse. Merino es licenciado en Bellas Artes por la Complutense y cuenta con diversas exposiciones individuales y colectivas. Su obra aparece en libros como en Los Dictadores (el poder subversivo del arte) (2015) de Adonay Bermúdez o Arte Emergente en España (2006) de Manuela Villa.

• Mi lucha (2011), de María Cañas (Sevilla, 1972) centra su discurso en Hitler. En su obra tres dioses en el Olimpo juegan con los hombres de la Tierra. Uno de los dioses decide dar un poco de poder a un hombrecillo para ver qué es capaz de hacer. Ese nuevo ser poderoso resulta ser Hitler. El dios, asustado por lo que ha destruido, toma la decisión de quitarle la virtud. Cañas demuestra que tenemos la capacidad de dar o quitar poder a nuestros líderes. María Cañas es licenciada en Bellas Artes y cursó el Doctorado en Estética e Historia de la Filosofía en la Universidad de Sevilla. Dirige Animalario TV Producciones. Su arte ha sido exhibido en multitud de festivales, ferias, eventos, centros de arte, museos y galerías nacionales e internacionales.

• The Fool Show (2016), obra inédita de Daniel Jordán (Valencia, 1983), en la que se ríe de los líderes sean del campo que sean. Los desvirtúa y los ridiculiza convirtiéndolos en caricaturas en medio de un cuidado escenario teatralizado. Su rostro acaba adquiriendo la efigie del dominador y del dominado en un intento de demostrar su interés por dirigir su propia vida, sin necesitar a nadie del exterior. Jordán actúa e invita al público a hacer lo mismo. Daniel Jordán es licenciado en Bellas Artes por la Politécnica de Valencia. Ha participado en ferias y exposiciones como JustMad Art Fair Madrid (2016). Su obra puede encontrarse en instituciones y colecciones como en la Fundación BilbaoArte.

• Meditando sobre la vanidad de la Victoria (2016), obra inédita de Martín & Sicilia (José Arturo Martín, Tenerife 1974, y Javier Sicilia, Tenerife 1971), quienes adoptan la postura de protagonistas de su obra. Irreverentes y malcriados, buscando la ironía en todo momento, recrean escenarios pictóricos donde la masculinidad siempre está presente, tiranizando una atmósfera cargada de testosterona. En este caso colocan a un militar jugando a las tragaperras. Martin y Sicilia trabajan juntos desde 1995 y desde entonces han participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas tanto en museos, galerías como en Bienales internacionales. En 2007 fueron premiados por Ron Brugal como los artistas emergentes de ARCO. Sus trabajos están en numerosas colecciones nacionales e internacionales y desde el año 2000 trabajan como comisarios en diferentes proyectos.

• Runners (2014), de David Crespo (León, 1984) invita a correr, situando para ello una cinta estática, delante de una vídeoperformance. Crespo es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Vigo, Master de fotografía creativa en la escuela EFTI y Master en Creación e Investigación por la Complutense. Ha recibido premios como el del III Festival de Fotografía Digital Foconorte (Santander) y ha realizado exposiciones individuales como Fuera de Juego en Galería Addaya Centre d’Art Contemporani (Mallorca, 2013) o Katathlon en galería Cero (Madrid, 2015). También ha participado en varias colectivas.

• Aportación de agentes del orden (2009), de Núria Güell (Gerona, 1981), es una obra donde la artista ha destruido la autoridad y se ha mofado de los hombres con poder. Durante su estancia en La Habana grabó de manera oculta cómo los policías la piropeaban y pretendían quedar con ella a toda costa. Güell lo documentó todo: llamadas, mensajes, conversaciones en la calle. Finalmente se citó con todos ellos al mismo tiempo: en la inauguración de la exposición donde aparecían todos retratados. Graduada en Artes por la Universidad de Barcelona, continúa sus estudios en la Cátedra de Arte de Conducta en La Habana y su trabajo se ha exhibido en La Habana, Liverpool, Atenas, París, Nueva York o Chicago.

• Ir de etiqueta (2015), de Olalla Gómez (Madrid, 1982) ahonda en el lenguaje machista y represivo para la mujer. La artista pone de manifiesto de manera directa dos cuestiones: la vigencia de la cosificación de la mujer y la presión social a la que se ve sometida, pudiendo ser objeto de juicios. Para ello colocará a un hombre trajeado en la entrada de la exposición durante la inauguración, éste pondrá etiquetas-pegatinas con insultos únicamente a las mujeres que entren. Al llegar casi al final de la exposición habrá un panel para que las mujeres que han permanecido con la etiqueta la peguen siguiendo el concepto que ellas quieran. Todo quedará registrado en vídeo y junto con el mural resultante permanecerá a modo de archivo durante los meses que dure la exposición. Gómezes licenciada en Bellas Artes por la Complutense de Madrid. Recientemente consiguió el primer premio muestra de arte joven de La Rioja.

• El arconte (2015), de Avelino Sala (Gijón, 1972) hace referencia al poder, al mando y a la imposición. El modo de controlar y anular a un país es controlar sus generaciones; éstas son manipulables desde el momento en que coartamos su educación y el desarrollo del pensamiento crítico. El artista ha dispuesto una columna de libros encabezada por la figura de un joven. A su espalda, escrito en spray: Sapere Aude!(¡Atrévete a saber!). La pieza funciona como moraleja, una apuesta por la educación, pero no la entendida como adoctrinamiento académico, sino recurriendo a la autoinvestigación. Avelino Sala es artista, comisario y editor (revista Sublime). Además, escribe en medios como Artishock o A desk. Ha participado en bienales como lade Puebla en México (2014) o en la Bienal del Fuego de Caracas (2006), entre otras. Su obra se ha presentado en distintas exposiciones colectivas nacionales e internacionales. 

Cartel de la exposición

Fotografía de Jaime Bravo. Obra de Daniel Jordán

PUNCHING FRANCO. EUGENIO MERINO

Inauguración. Fotografía de Jaime Bravo

Fotografía de Teresa Arozena. Pieza de Democracia

Fotografía de Teresa Arozena. Pieza de Colectivo Daños Colaterales

Fotografía de Jaime Bravo