De interés

25 noviembre 2015

Alma esculpida



Alma esculpida - Javier Murcia // CanariasCreativa.com

 

Javier Murcia es un escultor tinerfeño de cuyas manos nace vida tridimensional. Su trabajo, repleto de matices y detalles, alcanza un nivel de detalle casi médico.


 
Buenas tardes, Javier, y gracias por hacernos un huequito en tu agenda. ¿Quién es Javier Murcia y cómo descubre la escultura?
 
Yo empecé desde muy joven, desde que tenía 13 años, a aficionarme al mundo de los efectos especiales para el cine, y todo fue porque descubrí una revista (Fangoria, versión española). La descubrí detrás de donde vivía con mis padres en Santa Cruz, al lado del parque La Granja, y desde entonces desde que vi todo aquello (la sangre, las heridas, los monstruos) me impactó tanto que supe que quería encontrar la manera de hacer eso. Y poco a poco me fue orientando hacia la carrera profesional dentro del mundo de los efectos especiales para cine. Seguí, practicaba mucho en casa, compraba productos de maquillaje para FX y bueno, dedicaba todo mi tiempo libre a aprender hasta el momento en que me fui a Barcelona a estudiar maquillaje.
 
Tuve mi propio taller, Creaciones Dédalo, durante cinco años y estuve desarrollando proyectos de lo más diverso: carnavales, cortos, cine, teatro… Y escudriñando la cabeza para que un taller tan insólito, como el que tenía, funcionara. 
 
Esa fue, sobre todo, mi base de aprendizaje porque tuve que enfrentarme a mil y un proyectos diferentes. 
 
Tus estudios los llevas a cabo en Bellas Artes en La Laguna. ¿Cómo recuerdas esa etapa?
 
Como te decía, tuve ese taller durante 5 años y empecé los estudios cuando lo tenía. Dejé el taller y continué la carrera, hasta que los clientes privados que tenía me obligaron a dejar los estudios de lado, así que nunca llegué a completarlos.
 
Sí que aprendí mucho. Lo recuerdo como una época muy bonita y muy frustrante al mismo tiempo, porque tienes que lidiar con muchas cosas que no te interesan para nada. Sobre todo, la política universitaria. Pero bueno, dejando eso a un lado, fue un momento en el que aprendí mucho sobre todo a nivel teórico, y me abrió la mente hacia el mundo del arte que hasta entonces desconocía pero me atraía llegado el punto en el que a nivel técnico iba teniendo ya. Pero me faltaban las ideas, y aprendí de otros artistas y obras, de lo heredado de la historia en el arte hasta el momento.
 
¿Qué crees que perdura aún de aquel chaval que se matriculó?
 
Ja. Esta es una buena pregunta. Una muy buena pregunta… (duda)
 
La verdad es que el tiempo pasa, tío, y uno cambia. Sobre todo cambia por las experiencias vividas. Me encuentro ahora mismo intentando volver atrás y recuperar un poco de eso porque el mundo que vivo ahora mismo no se acerca para nada a lo que vivía en aquel entonces.
 
Ni siquiera mis ilusiones o perspectivas no tienen nada que ver. En parte porque mi sueño era… Todos nos ponemos unas metas en la vida , y parte de ellas era entrar en una empresa como en la que estoy ahora, para entrar en grandes producciones cinematográficas…
Ahora que estoy aquí y he cumplido ese sueño, de repente todas esas cosas que hacía con el objetivo de llegar aquí han cambiado. ¿Y qué viene a partir de aquí? Creo que es mucho más interesante porque, al fin y al cabo, una vez que consigues esa meta te das cuenta de que realmente puedes conseguirlas. Por otro lado que uno madura  y ve el mundo con otras perspectivas. Para algunas personas puede ser positivo o negativo, y en mi caso es muy positivo porque me doy cuenta de que si eres realista y un soñador al mismo tiempo, es decir, si no pones tus metas en un escalón inalcanzable, se pueden conseguir.
 
El haber llegado hasta aquí hace que tenga ilusión por hacer más cosas todavía y tengo muchos proyectos que me gustaría continuar haciendo. Y en esa dirección voy, y me encanta poder seguir empujando todo esto adelante a pesar de que va evolucionando… Eso es lo bueno también, que va evolucionando y no hay nada fijo ahí que nunca se mueve, sino que ocurre una idea aquí y otra allí y piensas cómo hacerlo. Y luego surge otra… Y te vas dando cuenta de que son metas o pequeños sueños que quieres realizar, cuando pasan los años y siguen ahí. Porque hay metas que desaparecen sin más, pero hay otras que perduran y se acaban convirtiendo en sueños a realizar.
 
Creo que ese chiquillo sigue igual, pero más maduro y consciente de lo que es este mundo en el que vivimos. Me mantengo, simplemente. Intento mantener mis sueños vivos, que es lo importante.
 
 
¿Y de los conocimientos? ¿Qué ha quedado impregnado en tu persona?
 
Yo diría que todo. Cada experiencia se va sumando a la persona que eres. Aprendí mucho en la ULL y por mi cuenta, y los dos me han servido para seguir evolucionando en mi carrera. Creo que lo bueno es que he aprendido un poco de todo: de la parte muy práctica mía de los efectos, y luego la parte teórica de Bellas Artes. Hoy en día utilizo las dos cosas, lo cual es genial. 
 
Hay gente que estudia una carrera, o tienen conocimientos de un área en general, y no hace uso de él lo cual es un poco triste. En mi caso, me he mantenido ahí. No sé si porque lo he buscado, pero también porque he sabido utilizarlo.
 
Casi obsesionado, diría yo, con la perfección del conocimiento realizas diversos cursos de disección en la escuela de medicina., lo que sin lugar a dudas te dota de un conocimiento desbordante. ¿Cómo fue ese primer día de entrar y enfrentarte a algo así?
 
Fue chocante ver los cadáveres, pero enseguida se te pasa y te centras en lo que es la teoría y el conocimiento, te olvidas de lo que tienes delante. Lo único en que te concentras es en averiguar dónde está este músculo, de dónde viene,…. Es apasionante para alguien a quien le gusta la anatomía y las formas de la naturaleza. Es un placer poder trabajar de ese modo y, de hecho, estoy como loco por volver para continuar estudiando así porque es un lujo a aprovechar. 
 
Afortunadamente tengo buena relación con el Departamento de Anatomía de la ULL, por lo cual tengo acceso a ello y para mí es un auténtico placer.
 
Emigras a Copenhagen, ciudad que adoro, y participas en un proyecto junto a Christian Lemmerz. Primero, ¿qué te lleva a emigrar?
 
Me fui a Copenhagen durante año y medio, y tuve la oportunidad de participar en el proyecto junto a Christian Lemmerz. Fue una experiencia muy bonita de la que aprendí mucho y, sobre todo, estar en contacto con el mundo del arte directo, digamos, y haciendo un proyecto grande como el que fue. Tuve mucha suerte.
 
¿Qué me llevo a emigrar? Básicamente, la crisis. No tenía nada que hacer en España. Esto ocurrió antes de hacer la escultura de “Homenaje al Chicharrero (2012)”. Date cuenta que llegó un punto  estaba bastante ahogado y tenía ganas de seguir haciendo cosas, pero no podía en Canarias. Y me fui a Dinamarca porque conocía a gente allí. Había hecho un curso con Jordu Schell, escultor americano muy famoso por su trabajo en diversas películas, al que admiro mucho. Fui para allá y tras hacer el curso me ofrecieron seguir colaborando con ellos.
 
Finalmente salió el proyecto de “Homenaje al Chicharrero (2012)”, volví y lo hice. Y tras ello la etapa de Weta Workshop Group of Companies, que es en la que estoy ahora. Todo esto en un plazo de escasos cinco años, o sea, mi vida ha cambiado bastante en este tiempo.
 
¿Qué destacarías de dicha obra?
 
Es impactante; es una preciosidad. Fíjate tú que cuando la estábamos haciendo lo que pensábamos es que “este tipo no tiene ni idea de lo que está haciendo”, que es lo típico comentario que se suele hacer de los trabajos de otras personas, suelen ser despectivos. Aunque para ser honestos también hay que decir, que en estos proyectos no hay una idea clara desde el principio, sino que se va decidiendo a medida que se va trabajando; lo cual es un poquito una locura porque te encuentras perdido muchas veces. Y sobre todo para la persona que está ejecutando la obra. Te dicen “haz esto aquí y haz esto allá”; lo mismo haces una estructura de madera, como una escultura de un león… Lo que sea. No tienes ni idea de lo que estás haciendo muchas veces. 
 
Entiendo que eso sea así, pero es un poquito frustrante para quien trabaja en ello. 
 
La obra es magnífica. Simplemente sublime. Primero, por el material del que está hecha, está fundida en bronce y por la magnitud de la obra. Es un conjunto escultórico compuesto de una pieza central que es un árbol-pene (como suena) esculpido en mármol de 4 metros de altura, unos huevos de bronce que cuelgan del techo y que dan bastante miedo (están basados en Alien con ese aspecto oscuro y tétrico),  y luego están las serpientes que están relacionadas con el Valhalla, el ciclo de la vida de la mitología vikinga, situado sobre la piscina en la habitación central de la casa.
 
Para mí, es una auténtica obra maestra por el concepto en sí mismo porque da miedo pero al mismo tiempo, es una obra compleja, sólida, llena de detalles, con la que te puedes entretener viéndola desde distintos ángulos. Es una obra envolvente, que no deja indiferente a nadie. Y, sobre todo, tiene mucho carácter. Define mucho al tipo de artista que lo ha hecho. Por eso, me gusta particularmente.
 
Además, no es una obra anodina que la ves y piensas que sí que es grande pero no me dice nada. Realmente, te quedas pensando qué es aquello o sales por patas, porque realmente da miedo. Depende de cada uno, pero creo que dentro de lo que me atrae me resulta muy atractiva.
 
Ya en Wellington, desarrollas la serie “Belleza visceral” en la que, a través de diez esculturas, haces un recorrido por la historia de la creación humana. ¿Qué puedes contarnos de ella?
 
Bueno, al final la llamé “Belleza visceral”, en español, porque estando en un país anglosajón funcionaba mejor el nombre. Realmente no es una exposición o una obra en la que haga un recorrido por dicha historia. En realidad fue más bien un trabajo de piezas individuales en las que volcaba ideas que tenía. 
 
Surgió de una manera muy improvisada. Cuando llegué a Wellington vine con la idea de entrar en Weta, pero sin contactar con nadie y sin nada. Me vine con el dossier bajo el hombro y confiando en que iba a tener posibilidades por el trabajo acumulado que tengo. No veía por qué no iba a conseguirlo si me daban la oportunidad. Y así fue: hablando con las personas adecuadas, a las dos semanas ya tenía un pie dentro.
 
Me entrevisté con Richard Taylor, dueño de la empresa, viendo mi dossier en su despacho. Le encantó y me ofreció la oportunidad de utilizar el taller para hacer lo que quisiera. Obviamente lo agradecí muchísimo y aproveché la oportunidad para demostrar lo que era capaz de hacer. De ahí surge esta exposición.
 
Lo ví como una oportunidad de lanzar mi carrera y empecé a hacer cosas que de algún modo fue un momento de exploración personal. Tanto a nivel técnico como personal, porque tuve que sacar ideas que tenía en la mente y enfrentarme a ellas. No es fácil coger y decir tengo tal idea y la ejecuto sin más. Normalmente lleva tiempo y esto era a escultura por semana. Algunas, incluso menos. Es decir, no tuve tiempo casi de pensar.
 
Descubrí que era una manera genial para mí de trabajar, porque es muy espontánea con lo cual tienes que ser muy habilidoso o improvisar mucho para obtener resultados interesantes a nivel técnico y conceptual. 
 
“El entusiasmo de D. Quijote” creo que es una de las más interesantes de las que hice, por su complejidad técnica. Es una composición de tres figuras, una sobre la otra, manteniendo un equilibrio que parece que se rompe cuando D. Quijote salta sobre Sancho Panza, lo que dota de dinamismo a la obra. 
 
Una de las cosas que me gusta en la escultura es que la obra tenga un aspecto general y un concepto de detalle. Que sea interesante de lejos y de cerca. Es una de las cosas que siempre verás en mi trabajo y es que cuando te acercas siempre puedes deleitarte con detalle, e invertir tiempo observando pequeños detalles que enriquecen la escultura. Y al mismo tiempo, de lejos, tiene que tener un atractivo por su simpleza o por lo contrario, por su complejidad, pero tiene que tenerlo. Es algo que me gusta tener muy en cuenta. No es una obra pequeña, lo cual hace que vista bastante bien el espacio. 
 
Luego hay otras más personales como “Hidden nature” que, de algún modo, es una idea de retrato de un momento de mi vida que quise volcar en escultura. Es puro simbolimos de arriba a abajo; desde la naturaleza floral que sale del vientre, la forma en que la mano derecha se expone con la palma hacia arriba, y la izquierda levanta las costillas como en el cuadro “La duda de Santo Tomás” de Caravaggio. El hecho de que no tenga pelo es importante porque la persona que la inspiró, queda mejor representada en su carácter sin pelo. Porque cuando una mujer se rapa es una manera irreverente de enfrentarse al mundo. Lo normal es que lo lleven largo. Hoy en día, evidentemente, está mejor visto pero, en términos generales, suelen llevarlo largo para embellecer su aspecto. Las mujeres que se lo rapan suelen ser de más carácter, más decididas a demostrar que van a contra corriente. Es una manera de verlo…
 
Al final acabé haciendo unas figuras que me llamaron mucho la atención, porque la final es una evolución del proceso escultórico que hice para la exposición y es que las últimas figuras que hice, las que se llaman “Roots”, las de las raíces, me resultan muy interesantes porque tras haber hecho las anteriores con carácter figurativo jugando con la ambigüedad, llegué al punto de realizar una pieza casi completamente abstracta  que tiene un significado muy claro. Cuando la ves, ves algo abstracto pero yo veo raíces que han sido literalmente extraídas de la tierra. La base es la tierra, y la parte superior las raíces. Ahora si observas las fotos lo verás claramente. 
 
La parte de la tierra ha sido extraída de forma circular, es decir: ha sido extraído de un modo muy consiente y el único modo para hacerlo es hacerlo a consciencia por un humano. Un animal no lo haría así. Para mí, lo que demuestra es el intento dominar la naturaleza por parte del ser humano. Es una especie de protesta, o reivindicación, de que estamos intentando dominar la naturaleza. Nada nuevo, eso está claro, pero es una idea que da lugar a una pieza esculturica, la poesía del arte.
 
Ese es el resultado tras haber trabajado con estas piezas, que me llevó al punto completamente extremo del trabajo abstracto que nada tiene que ver con lo figurativo. Me gusta la idea de hacer un trabajo que esté más basado en la idea que la técnica de la estricta anatomía, sin dejarla de lado.
 
Al fin y al cabo, todo fue pura experimentación y me gusta esa idea. Mas adelante, me gustaría seguir por esa dirección. Buscar otras maneras de expresar ideas de un modo menos obvio, pero que sea igualmente estético y artístico y a ser posible irreverente.
 
¿Cómo es el proceso de creación de una obra escultórica? ¿De qué fases hablamos?
 
La puedes hacer de muchas maneras. Tienes una idea, empiezas a maquetar y lo vas cambiando hasta que consigues lo que buscas. Y luego, si lo quieres dejar en una maqueta pequeña y, si no, lo utilizas para hacer una pieza de mayor tamaño. Esa es una manera de trabajar.
 
La mía, como sé un poco el formato que quiero, abordo directamente la obra e intento hacerlo lo más rápido posible. No es que intente hacerlo lo más rápido posible, pero no me gusta invertir días, semanas o meses en una obra porque de algún modo pierde frescura.
 
Para mí es importante trabajar de una manera espontánea. Cada uno tiene su forma. Me gusta mucho trabajar e investigar en materiales y conseguir resultados poco habituales.
 
Materiales. ¿Se trata de una primera decisión antes de comenzar la obra o final?
 
Depende, no tiene porqué ser necesario pero lo tienes en mente habitualmente, más que el material, el resultado que quieres conseguir. En mi caso estoy obsesionado ahora con las patinas y cada vez que hago algo veo chorros de color, casi como heridas sangrantes derramando Oxido por toda la pieza.
 
En ‘Oxidations’ la creación toma forma de cráneo femenino caucásico y se traduce en 113 obras originales y únicas debido al casi impredecible proceso. ¿Dónde están los afortunados poseedores de dichas obras?
 
Realmente es una idea que surgió hace tiempo, en España, y que de hecho intenté sacar allí pero no funcionó. Pero bueno, siempre estuvo en mente.
 
Una vez que estuve aquí tuve oportunidad de empezar a experimentar con ello. Así que lo hice, y el resultado es que estando fuera de España, las posibilidades aumentaron mucho.
 
Desarrollé el proyecto más a conciencia y de ahí salió el producto de un modo un poco más pulido. Realmente ha tenido una aceptación magnífica hasta el punto de que sigo con este proyecto adelante porque me está dando muchas posibilidades para divulgar mi nombre y seguir realizando trabajos y ser un poco más independiente.
 
Su distribución la llevo sobre todo en Nueva Zelanda, pero puede conseguirse en diferentes partes. Ahora he empezado su distribución en una tienda en Nueva York, y en las Cómic Con de San Diego y otras al rededor de USA. En España también se podrá conseguir y en la web. 
 
Es una cosa que se irá haciendo poco a poco y porque me ilusiona mucho mantenerlo al tiempo que sigo trabajando en otras cosas. Al fin y al cabo, me gusta trabajar en varios en paralelo y Oxidations parece que va muy bien.
 
¿Y cuál era el concepto que querías transmitir con dicha serie?
 
No hay un concepto en particular. Soy un amante de la anatomía. El cráneo surgió como un ejercicio particular de un estudio. Me gustan los materiales y las oxidaciones, y seguí trabajando en el proyecto porque me parece muy interesante conseguir esos diferentes resultados. Lo veo como un modo de mezclar diferentes conceptos de la naturaleza. Por un lado una parte de la maquinaria creada por la naturaleza, un cráneo humano, mínima expresión de la identidad como seres vivos que somos, todo lo que nos identifica está englobado en ésa pequeña parte de nuestra persona. Por otro lado los procesos naturales de oxidación que dan lugar a una riqueza e intensidad de colores fascinantes. Estoy completamente enamorado de los resultados que estoy consiguiendo por experimentación. Creo que Oxidations es una oportunidad de aprender para mi, y al mismo tiempo da la oportunidad a muchos de obtener una pieza con carácter.
 
¿Y qué tienes entre manos ahora mismo?
 
Sigo con Oxidations y sigo trabajando para la empresa. Sigo con muchas ideas y quiero sacarlas, pero lleva mucho tiempo. Me gustaría una exposición y algo fuerte en Canarias pero bueno, eso es algo que no veo a corto plazo, pero en algún momento sin duda lo haré.
 
Pasemos al test rápido. ¿Qué es la inspiración?
 
Es una idea y la ilusión por hacer algo, y saber que puedes hacerlo. Eso es: un flash. Algo que te mueva porque tienes la certeza que se puede hacer.
 
¿Bocetos o directo al tajo?
 
Directo al trabajo. No hago muchos bocetos.
 
Un material y por qué.
 
Bronce, porque es un material vivo con muchísimo carácter. Ofrece mil aspectos; es fácil de domar una vez fundido. Cambia el carácter de lo que hagas, sea lo que sea. Algo tiene el bronce… Algo tiene… Se puede maquillar con oxidaciones, con ácidos…. Es simplemente, maravilloso.
 
Un referente internacional.
 
Buff…. El dibujante inglés Simon Bisley. Siempre suelo tirar por dibujantes o pintores más que por escultores.
 
Otro nacional y otro de las islas, por favor.
 
Nacional: (duda)… Pues no lo sé… Carlos Pacheco podría ser uno. 
 
De las islas: Juan Bordes, por ejemplo. Es una auténtica referencia.
¿Qué momento creativo vives ahora mismo?
 
Creo que vivo un momento estupendo con grandes posibilidades. Vivo en un lugar que me acerca a un mercado con más posibilidades. Puedo trabajar en el taller con su apoyo y creo que estoy construyendo algo en mi vida. 
 
Pero si pudiera hacer un pequeño stand by, lo aprovecharía sin duda.
 
¿Para cuándo una exposición de Javier Murcia en las islas?
 
Lamentablemente, creo que va a tardar y me encantaría.  De hecho, he estado intentando buscar la manera porque realmente el invertir tiempo y hacer algo así tiene que ser porque tienes garantías de que va a funcionar. No es cuestión de tirarse a la piscina sin agua; tienes que hacerlo de forma que funcione. Pero me encantaría, por supuesto.
 
¿Está la creación socialmente aceptada?
 
Claro, por supuesto. Porque es que ni siquiera es evidente. Lo vemos todos los días en la televisión, que es el modo de comunicación más sencillo y es pura creación. También es manipulación, pero es creación. Lo mismo en publicidad, música, literatura, arquitectura, etc.. el humano es un animal muy creativo en todos sus aspectos.
 
Si no hubiera creación de ningún tipo… ¿Qué sería de nosotros? Seríamos un espíritu marchito.
 
¿Se puede vivir de la escultura en las islas?
 
Difícilmente. Es un mercado muy limitado y a no ser que estés muy bien colocado, lo que suele suceder cuando tienes una cierta edad, lo mejor es diversificarse. En un mundo global como el que vivimos hoy en día, tienes que tener puntos de distribución fuera de Canarias. Si no los tienes, olvídate.
 
Se puede malvivir, pero no vivir.
 
¿Qué dirías a los chavales que ahora están matriculándose en Bellas Artes? Un único e irremplazable consejo.
 
Pues no sé… Enhorabuena…. Yo qué sé. 
 
Es que cada uno tiene una experiencia completamente diferente. De lo que estudias allí a lo que tienes en el mundo real, no tiene nada que ver. Pero, al mismo tiempo, tampoco puedes decirles eso porque ellos están en una época de su vida y yo estoy en otra. Ellos tienen que pasar por ahí, para que aprendan a enfrentarse a otras cosas.
 
Me alegra que alguien se anime a hacer algo que no sea puramente funcional con el objetivo de tener una vida más resuelta. Porque al fin y al cabo, si eres una persona lista, y te sabes mover, y eres simpático puedes tener posibilidades de tener trabajo. Otra cosa es que quieras tener un nivel de vida X; en ese caso supongo que tienes que hacer esfuerzos por dirigir tu vida en esa dirección y Bellas Artes, a lo mejor, puede que no sea la manera más indicada. Pero estamos hablando de casos muy particulares. Lo que tampoco quita que puedas conseguirlo con Bellas Artes.
 
El consejo: sigue tus sueños, básicamente. El cómo lo hagas es lo importante, pero no dejes de perseguirlos. 
 
Muchísimas gracias por todo. Un enorme placer. Suerte en la andadura.
 




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