De interés

27 noviembre 2017

Al otro lado de la marea



Al otro lado de la marea - Rafa Moreno Tapia - MorenoTapia - Studio37 // CanariasCreativa.com

 

MorenoTapia es un profesional de las artes plásticas cuya reciente línea artística sitúa al espectador de espaldas al mar que baña la capitalina Playa de Las Canteras (LPGC).


 
Buenas tardes, RAFA, y gracias por asomarte a esta ventana. ¿Quién es MORENOTAPIA y cuál es su actual momento vital?
 
Muy buenas Sergio, ante todo gracias por dejarme alongar y saborear desde dentro este proyecto de vida que estás gestando; es un orgullo que me hagas partícipe de la gran familia que estás creando a partir de algo tan simple como la pura motivación y la lucha contra el inmovilismo, características ambas con las que me identifico plenamente. 
 
En los últimos quince años me he volcado en hacer partícipes a otros de mi experiencia como profesional del arte en sus más diversas facetas (docente, técnico de exposiciones, creador plástico) y hoy por hoy me siento muy satisfecho por lo conseguido desde el Studio37, mi particular rincón de trabajo, aun cuando creo que lo realmente importante está aún por llegar.
 
¿Qué instantes marcan en tu vida el camino creativo?
 
Más que etapas o lugares, creo que son las personas las que marcan un punto de inflexión en la trayectoria de cualquier persona. 
 
Los encuentros vitales que se producen en el recorrido que vamos trazando día a día nos ayudan a construirnos como personas y por ende como creadores, máxime cuando el trabajo en el estudio es un fiel reflejo de esas vivencias. He tenido la suerte de tropezarme con gente de todo tipo que me ha ayudado a creer con mayor fuerza en mi apuesta personal, desde los que hicieron todo lo posible por facilitarme el camino hasta los que han puesto palos en las ruedas para evitar una progresión inevitable.
 
Tu formación pasa por la Facultad de Bellas Artes de La Laguna, la École de Beaux Arts (Toulouse) y el Instituto Superior de Bellas Artes de Amberes (Bélgica). Un periplo creativo de lo más intenso. ¿Cómo recuerdas cada una de esas etapas de tu vida?
 
Quizás la palabra más acertada para ese paréntesis de mi vida es “formación”.
 
Si bien es cierto que en el mundo de las artes plásticas podemos encontrarnos grandes creadores de edad temprana, lo cierto es que a mis 45 años me siento aún en una etapa de mi vida en la que sigo aprendiendo al tiempo que madura lentamente la base en la que se fundamenta, cada vez con más seriedad y rigor, la obra personal.
 
Es evidente que he tenido una gran suerte al poder experimentar una formación tan diversa en tres países distintos, con enfoques docentes diferentes y con planteamientos conceptuales que sumados han generado un magnífico cocktail.
 
Tenerife fue la cuna y como tal, un elemento positivo a partir del cual valorar otras vivencias. La experiencia francesa reforzó mi idea de lo importante que es tener pleno conocimiento de los procedimientos, técnicas y materiales que caen en nuestras manos antes de pretender hacer alquimia con ellos; y Amberes me dio la oportunidad de darme cuenta de que estaba al principio de un camino muy largo. 
 
Ambas cuestiones ya estaban en el poso que tuve la suerte de vivir en la Facultad de Bellas Artes de La Laguna.
 
¿Y en lo profesional, qué te aportó cada una de ellas?
 
Cualquier experiencia “fuera de casa” aporta positivamente en muchos aspectos.
 
Profesionalmente pude aprender de grandes referentes en el campo de la docencia y del arte que me enseñaron lo importante que es no perder de vista la cultura del esfuerzo y del oficio. La primera como una referencia que entraña sacrificio, aprendizaje, modestia y empeño; la segunda como un claro exponente de que el arte como tal necesita ser más humilde, profesional y honesto.
 
Gracias a todos ellos me siento un profesional del arte más (y somos muchos) porque vivo, como y habito gracias a la variada actividad que desarrollo en dicho mundo.
 
A tu vuelta a Tenerife tras el periplo allende los mares, te dedicas a la formación en diversos centros. ¿Cómo llevó el artista el incentivar a nuevas generaciones al amor por la creatividad?
 
En su día un buen amigo -Edu Ramos- me dijo que en el fondo todos éramos creadores en potencia pero que no lo sabíamos (o no lo queríamos ver); la diferencia entre unos y otros -decía- eran las herramientas y los soportes que empleaba cada uno de ellos para canalizarla, que no siempre tenían que relaccionarse de alguna forma con las artes plásticas.
 
Mis alumnos me conocen porque procuro ser sincero y franco. 
 
Trato de que no me idealicen y que me reconozcan como un igual que tiene cosas aprendidas y cosas por aprender; que tan solo pretendo acercarles el mundo del arte desde mi perspectiva, potenciando la labor que de por sí ya desarrollan intensamente otros profesionales del arte desde los colegios con los escolares, en los museos y centros de arte a través de los Departamentos correspondientes (DEAC) y en las iniciativas privadas (galerías, salas de exposiciones y espacios alternativos)
 
Una dinámica que -a mi juicio- debiera asumir como propia cada profesional que se precie.
 
A tu entender, ¿qué es lo mejor y lo peor de la docencia creativa?
 
En el campo del arte la docencia no debe perder su magia y ello estriba en ser igualmente creativa. 
 
Ésto implica que no siempre podremos tener las cosas perfectamente estructuradas y definidas, dejando un margen muy amplio a la improvisación y especialmente a la interacción con otros implicados. 
 
En mi humilde opinión cada individuo es un mundo y el docente que trabaja en este terreno debe saber amoldarse a la necesidad que demanda, en un ejercicio constante que evalúa al profesional y no al aprendiz, todo lo contrario que en nuestro sistema educativo.
 
Y desde ese otro prisma, ¿qué docente de los que tuviste en toda esa etapa anterior crees que te marcó en los diversos momentos?
 
Todos ellos.
 
Sería injusto dejar a alguno fuera porque todos y cada uno de ellos me han hecho ser quien soy. Los primeros mis padres y mi familia, que fueron los que forjaron y potenciaron mi personalidad. Y después de eso todos los que han venido formando parte de mi vida en cada una de las etapas formativas que he vivido y, creo, sigo viviendo.
 
Siempre he dicho que las orlas, esas fotografías de grupo que se hacen los alumnos cuando terminan una etapa escolar (6º de primaria, 4º de la ESO, Bachillerato u otros niveles formativos superiores), son tremendamente injustas ya que normalmente incluyen a los docentes que han sido parte de la experiencia de esos chicos en el último año. A mi juicio todos los docentes que estuvieron en años precedentes deberían estar incluidos, a veces con mayor justificación incluso.
 
Se llega al final de la escalera subiendo todos los peldaños y es por ello que todos ellos son importantes.
 
En 2006 tu vida da un nuevo giro y retornas a Las Palmas de Gran Canaria, y centras tu vida laboral como técnico de eventos, montaje de exposiciones en diversos centros de la capital (Centro de Arte La Regenta, el CAAM…). ¿Qué mundo hay detrás de un proyecto expositivo que escapa al conocimiento de quienes lo visitan?
 
La labor que se realiza dentro de los centros de arte en general es muy compleja e implica a un importante número de profesionales. La labor de todos ellos, cada uno en su parcela, es vital de cara a que un proyecto expositivo salga bien tras mese de coordinación a múltiples niveles.
 
Desde el compañero que nos abre la puerta, o el que vela por la seguridad del recinto, hasta el que gestiona los seguros o cuelga una de las piezas, pasando por los profesionales que trasladan el material, coordinan las publicaciones o definen las estrategias pedagógicas que se generan a partir de la muestra.
 
Pero,en mi opinión, no debemos olvidarnos que los creadores y sus producciones son la pieza clave que justifica la existencia de espacios expositivos de cualquier naturaleza y por ende su gestión debe respaldarlos y apoyarlos -que no mimar ni proteger-.
 
La curación (qué poco me gusta el término hispano-anglosajonado) de contenidos expositivos, su preparación y su ejecución se me antojan un mundo propio. ¿Qué aprendió el artista de todo este periplo para integrarlo en su propio ADN?
 
Básicamente es lo que te he comentado antes. 
 
Todos los profesionales de la cultura son importantes porque gracias a sus esfuerzos -de la naturaleza que sea- e implicación se gesta un proyecto colectivo. Pero a mi juicio, por encima de todo ello, está el creador que genera la obra ya que es su apuesta vital es la que da pie a que todo lo demás tenga sentido.
 
Hoy por hoy tenemos una asignatura pendiente ya que se ha valorado más el trabajo de otros agentes -como podría ser el de los curadores- que siendo importantes, creo que no son la pieza clave de las artes plásticas.
 
Has expuesto en muchas salas, has sido Premio de Honor de la Bienal Regional de Artes Plásticas de Santa Cruz de Tenerife (2004)….. ¿Cómo recuerdas toda esa etapa hasta estos días?
 
Como un aprendizaje más. 
 
Hasta la fecha todo han sido recorridos de ida y vuelta para indagar, reconocer y conocer experiencias creativas que me han ido dando claves que deberán ser la simiente de una producción realmente importante que aún no ha llegado y que espero que poco a poco inunde mi espacio de trabajo de Las Alcaravaneras.
 
Las exposiciones y reconocimientos alcanzados tienen un valor en tanto en cuanto refuerzan de alguna forma la dinámica escogida, pero no deben ser en ningún momento un elemento de distracción y mucho menos de falso empoderamiento, algo que ciertamente me he cansado de ver en todos estos años.
 
Hasta donde yo sé, ni el prestigio, ni el ego inflado dan de comer a nadie, a no ser que eso conlleve relaciones profesionales que se concreten en ingresos, algo que en las islas -lamentablemente- parece que fuera una exigencia indebida por parte del creador.
 
Conocí tu trabajo en una de tus múltiples exposiciones en Galería Cuadro, creo que en 2012. Y ya entonces me atrajo su fuerza. Recuerdo que Janet -una de las responsables de dicho espacio- me comentó que, además, era un lujo trabajar contigo. jajajaja :D ¿Cómo ves la situación del arte en las islas? Y te hago esta pregunta en este instante por el cierre el pasado mayo, tras quince años de actividad, de esta emblemática galería grancanaria.
 
El arte es una industria. 
 
Los artistas somos empresas, y las obras de arte es nuestro producto. Las cuestiones monetarias que tocan de una manera directa o indirecta a nuestro sector tiene unas dimensiones autonómicas muy importantes, afectando incluso a otras parcelas como el turismo o la educación. 
 
Cada vez que un profesional deja de hacer su labor, perdemos todos. 
 
Debemos dejar de ver a los creadores como personajes bohemios que parecieran tocados por una varita mágica que les permite sacarse de la manga cualquier maravilla en cualquier momento., y que apenas aportan al producto interior bruto de nuestra comunidad. Somos un elemento más de la ingente, diversa y destacada industria cultural de las islas que refuerza su imagen en el exterior de cara a otros sectores de nuestra economía. 
 
¿Qué nicho de espacios le quedan a los artistas de las islas?
 
Afortunadamente los artistas poco a poco se están dando cuenta de que no necesitan de terceros para mostrar su trabajo y es por ello que están surgiendo iniciativas privadas que generan y gestionan los propios creadores. 
 
Esta dinámica, reforzada a partir de la crisis y que he podido constatar que se desarrolla de igual forma en países como Alemania (Berlín y Munich concretamente), ha hecho reflexionar a los responsables culturales de las entidades públicas aunque aún es pronto para evidenciar un cambio de estrategia en esta materia.
 
Lo cierto es que el perfil del creador subvencionado (aquél que atiende a una determinada política para definir claramente lo que vomita en el estudio) tiene sus días contados, aunque siempre habrá alguno que siga esa senda.
 
En mi caso tengo muy claro que en mis vómitos mando yo.
 
Antes de entrar a fondo en tu obra más actual, hablemos del proyecto Studio37. Cuéntanos todo lo que se realiza en esas instalaciones y lo que tienes preparado para el futuro más inmediato.
 
El Studio37 es mi espacio de trabajo, que por sus dimensiones y emplazamiento permiten que se desarrollen otro tipo de actividades. La apuesta es dinámica y abierta a lo que surja desde el propio estudio o desde agentes externos, aunque no siempre podemos desarrollar todo lo que llega.
 
En este sentido es de elogiar la labor que otros espacios están realizando (Soppa de Azul, La Fábrica de la Isleta, 20 sacos, Equipo Para, etc... ) ya que juntos -incluyendo al Studio37- estamos tejiendo una red cultural alternativa que prioriza la labor creativa y su difusión, frente a otros intereses menos cercanos al ciudadano común.
 
Hoy por hoy el Studio37 se está esforzando más en su apuesta por fomentar el interés por el arte, a través de la formación y la producción artística; y espero que de cara al 2018 se centre a la generación de obra personal y su difusión…. Todo se andará.
 
Ahora sí: tu trabajo. Volviste a mi actualidad visual al ganar el premio en el Certamen de Pintura Rápida de la ZC Mesa y López. Y volví descubrir tu trabajo, esta nueva línea, que recientemente ha recibido un nuevo galardón en el Municipio de Mogán... ¿Cómo nace “… “guiños desde mi orilla…” y cuánto tiempo y trabajo acumula?
 
En los últimos cinco años mi vida ha dado un vuelco tras mi divorcio y el hecho de que mi hija se fuera a vivir a otra isla (Tenerife). En este tiempo la experiencia de vida ha sido tremenda, intensa y claramente retadora. 
 
Mi intención en todo momento ha sido la de asimilar que me encontraba en una nueva etapa y que debía mirar más hacia adelante que hacia atrás, pero no siempre uno tiene la capacidad para aceptar ese nuevo contexto y salir airoso… en este sentido, como creo que a muchos de los que vivimos en Las Palmas, la playa se convirtió en un refugio. Un espacio común que nos permite reflexionar y crecer casi sin que nos demos cuenta.
 
La playa de las Canteras, y la singular ciudad que la ha constreñido en los últimos 100 años, es un rincón en el que todos nos vemos reflejados, hasta el punto de que cuando se la hiere todos nos sentimos dolidos de alguna forma.
 
Dibujarla no fue tanto una rémora de su existencia, sino una terapia personal que me ayudó a superar una etapa muy complicada de este último lustro, y es por eso que su valor va más allá de su estética o de su parecido con la realidad.
Esa vinvencialidad en el proceso de gestación de las piezas -sean de la impronta que sean- es quizás el nexo común de todo mi trabajo.
 
Las Canteras vista desde el mar. La visión que muchos surfistas y bañistas tienen de dicha playa: los muros donde arena y mar se funden con recuerdos de quienes la transitamos. ¿Cómo es Las Canteras y su ciudad, Las Palmas de Gran Canaria, desde esa perspectiva?
 
Todos los dibujos están hechos desde la arena. Desde la orilla. Y siempre mirando al muro que delimita una playa que nunca debiera haber tenido dichos muros para verla crecer y alimentar al itsmo en todo su perímetro
 
Como bien dices estos dibujos -que en breve serán exhibidos en Alemania- son en si un reflejo de un subconsciente colectivo, una huella de nuestra identidad como ciudadanos de Las Palmas de Gran Canaria, pero es evidente que no es una cuestión única de nuestro espacio común.
 
En cualquier caso, sea el contexto que sea, es evidente para mí que es fundamental atrapar esa esencia colectiva e ir más allá de un intento de representación mimético más o menos acertado, y en este caso creo que ese objetivo está conseguido.
 
Esta serie fue igualmente expuesta en La Bikina y tiene muchas peculiaridades como es el uso del papel antiguo como soporte, un detalle cuanto menos, poético. ¿Cuál es el concepto creativo tras la serie?
 
Llevo muchos años trabajando sobre material encontrado. 
 
Es una de mis fascinaciones el garabatear sobre papeles antiguos ya impresos o manuscritos por otros, ya que en el fondo me cuentan muchas más cosas que un papel en blanco y me permiten reforzar algunas líneas de trabajo planteadas.
 
Una de las primeras piezas que realicé en este tipo de soporte fue generada en los años 90 en mi estudio de Bélgica y actualmente se suma a la colección del CAAM; la misma desglosa un diario ilustrado de aquel entonces, una especia de cuaderno de bitácora en donde hablaba de muchos temas que me tocaban de lleno y me preocupaban… desde aquellos días hasta ahora han sido múltiples los soportes que he intervenido, llegando a formar parte del elenco de materiales imprescindibles que tengo en la mesa de trabajo del estudio.
 
¿Y hasta dónde llegará? ¿Qué planes tienes para ella?
 
Eso nunca se sabe….dejaré que siga fluyendo hasta que ella por sí mismo decida que tiene un punto y final.
 
Con el premio de Mesa y López se te han abierto las puertas a la residencia artística en el Centro de Arte La Regenta. ¿Qué esperas de esta próxima etapa y cuáles son tus objetivos en la misma?
 
Teniendo un espacio propio de trabajo es evidente que la residencia en el Centro de Arte La Regenta es una oportunidad de hacer visible mi trabajo a los profesionales que pasan por el Centro.
 
A nivel creativo sólo tengo claro que contaré durante dos meses con un espacio que probablemente albergue una única pieza de gran formato.
 
El creador: ¿qué te define como autor y qué define tu obra?
 
Me siento muy identificado cuando estoy trabajando en el estudio manchado de arriba a abajo, una especie de continuo de las piezas que genero. Más allá de eso quizás lo fundamental es que intento que la obra tenga sentido vivencial para mi, y no se quede en un experimento estético más, aunque este tipo de trabajo tienen igualmente su importancia y su hueco en todo el proceso.
 
¿Con qué técnica te sientes más cómodo?
 
Ninguna en concreto. 
 
Suelo trabajar en el estudio de forma intuitiva y no me paro a priorizar las cuestiones técnicas salvo cuando la faceta de producción lo hace necesario. 
 
¿Qué es, para ti, la inspiración?
 
Una palabra bonita bastante alejada de mi realidad.
 
El profesional del arte que admiro y tengo en estima, es aquel que trabaja más de ocho horas al día, que centra toda su energía en su espacio de trabajo y que condiciona cada paso que da a sus metas como creador… y ese personaje es un currante que hace lo que hace por oficio, no por un momento de ensoñación valdío.
 
¿Y qué evoca cada trazo o cada acto de una de tus obras?
 
No pretende evocar nada. Cada trazo es la huella perceptible de un gesto y de un momento, y me contentaría con que aquellos que lo disfrutan fueran capaces de sentir -al observarlo- cómo fueron realizados o sentidos…. ahí cada cual aporta su granito de arena.
 
¿Se puede vivir de la creación artística en Canarias?
 
Sí. 
 
Vayamos al test rápido de preguntas-respuestas. ¿Bocetos a mano alzada o directo al digital?
 
Como decía Quino en una de sus viñetas de Guille, el hermano pequeño de Mafalda “...hay que ved la de cozas que tiede adentro un lápiz de edstos”
 
¿Cómo rompes el blanco del lienzo?
 
A veces pisándolo….trato de ensuciar al máximo el soporte antes de trabajarlo.
 
Tres referentes: internacional, nacional y regional; y por qué.
 
En los últimos años he tratado de eliminar ese tipo de anclajes porque de alguna forma condicionan tu producción.
 
Un consejo que enseñarías ahora a los jóvenes que se quieran dedicar al arte.
 
Oficio
 
¿Banda sonora para trabajar?
 
Me gusta mucho el rock y suelo trabajar con la música muy alta
 
¿Y al final del curro?
 
La radio en todas sus facetas es mi banda sonora natural
 
Un proyecto a medio plazo.
 
Salir más habitualmente de las islas a generar obra
 
Un espacio en el que exponer.
 
Studio37
 
Algo inconfesable, hasta ahora.
 
Cuando lo sepa te digo
 
Un libro que todos los que nos dedicamos a la creatividad deberíamos leer.
 
El diccionario… Es una llave sutil a un montón de cosas. 
 
Te dejo tranquilo. ¿Quieres añadir algo más que se me haya quedado en el tintero?
 
Creo que está todo dicho. 
 
Muchísimas gracias, pues, por esta entrevista. Nos vemos en la andadura.
 
Gracias a ti y felicidades por tu trabajo…. Un abrazote.
 
 
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