De interés

28 agosto 2012

De cuando el diafragma captó sentimiento en vez de luz



 

José J. Torres es uno de los fotógrafos destinados a marcar el futuro inmediato en Canarias. Natural de Fuerteventura, actualmente es uno de los artistas residentes del Centro de Arte La Regenta.


Buenas tardes José y gracias por mostrarte a través de esta ventana. ¿Quién es José J.Torres y cómo llega a la fotografía?

 

Pues es un tipo bastante normal.  Observador eso si. 

 

Sensible aunque se esfuerce en ocultarlo. Amistoso, familiar. Con una gran capacidad de aprendizaje y adaptación (aunque esto último suena a cv relamido). No especialmente divertido pero con facilidad para divertirme. Cómodo viviendo en la incertidumbre, aunque ésta sea el motivo de casi todos sus traumas. Intuitivo.

 

La fotografía llega a mi vida por casualidad y ahí se instalo como una necesidad vital.

 

¿Cuál es tu primer recuerdo tras una cámara?

 

No es detrás de la cámara pero si en los entresijos de una cámara. Se remonta a un viaje familiar a la isla de Lanzarote. Mis padres, mi hermana y yo, junto a mis tíos y sus hijas. Probablemente yo no tendría más de 8 añitos. Entramos en la Cueva de Los Verdes, mi hermana sacaba fotos afanada hasta que se terminó la película. Luego rebobiné el rollo para colocar uno nuevo. Yo estaba seguro que lo había realizado correctamente pero mi tío se cogió un cabreo impresionante porque decía que aquello estaba mal hecho, comenzó a extraer la película rebobinada y a decir “Ves que no se ha grabado ninguna”. Unos cuantos años después comprendí que la imagen que se guardaba dentro del carrete era latente, invisible, y que yo no había sido el causante de no tener fotos de la Cueva de los Verdes.

 

Sin embargo, encaminas tus estudios hacia el diseño industrial en la ULPGC


En realidad yo quería encaminar mi vida hacia la Arquitectura pero a decir verdad, no era un gran estudiante, por ello mi padre se empeñó en que hiciera una carrera menos “larga”. Acabé en diseño industrial sin tener mucha idea de lo que era y fue un verdadero acierto.

 

¿Por qué eliges la fotografía como modo de expresión artística?

 

Supongo que la técnica me fascinó ya que tenía un punto mágico. Se puede decir que me enamoré primero del laboratorio y después de la cámara. Todo se realizaba a oscuras con imágenes espectrales con las que había que tener mucho cuidado o nunca se revelarían, la luz roja, etc. La primera vez que ves aparecer algo en el papel creo que no lo olvidas nunca y te atrapa. Pero cuando esa magia se produce estando detrás de una cámara no tiene precio. Hay un momento que es como si los planetas se alinearan para ti y se produce una imagen espectacular en el visor...es simplemente una sensación maravillosa y eres tú el único observador de ese instante en el infinito. Pulsas el disparador y se queda registrado, singularmente en tu cabeza. 

 

La formación en fotografía, ¿cómo y dónde la has desarrollado?

 

Siempre me presento como autodidacta. Mis primeros conocimientos fotográficos los recibí en un taller que realicé durante unas jornadas de una semana en mi instituto. En el año 2000 me traslado a Gran Canaria y descubro un curso de fotografía para conseguir créditos de libre de la universidad, que se realizaba en la Agrupación Fotográfica Gran Canaria (AFGC) y fue una especie de abducción. Posteriormente me he dedicado a asistir a todos los taller, cursos y jornadas que se cruzaban en mi camino. Así he recibido clases con referentes muy importantes para mi desde Daniel Canogar hasta recientemente Javier Vallhonrat pero pasando por Gerardo Custance, Hugo Rodriguez, Isabel Muñoz o Rogelio López Cuenca entre otros.

 

¿Qué similitudes has encontrado entre ambas disciplinas?

 

La construcción del proyecto. Me gusta la incertidumbre que se produce cuando la idea no está definida y eso ocurre en ambas disciplinas. El proceso creativo te lo vas fabricando poco a poco y diseño me aporto una mentalidad muy interesante en este aspecto. Me gusta mucho la investigación, darle vuelta a las cosas, construir lentamente y aunque parezca contradictorio, porque la fotografía es el arte de la instantánea, yo realizo fotografías desde esta perspectiva. 

 

¿Y en cuál de ellas te sientes más a gusto?

 

La fotografía es para mi como algo innato. El diseño me requiere mayor esfuerzo pero no me resulta incomodo. 

 

¿Es el artista un animal destinado a la continua formación?

 

Sí. Sin ninguna duda, pero supongo que es una cuestión vital. En el arte también te puedes acomodar y hacer siempre lo mismo. Como dije anteriormente a mi me gusta mucho la investigación, estudiar, perderme en las bibliotecas buscando referentes, ver exposiciones de otros artistas, descartar ideas o aceptarlas según te venga, en definitiva buscar la inspiración trabajando. Eso es una parte vital para mi vida artística. Además cuando algo me obsesiona me vuelvo monotemático e implico a los que me rodean para continuar obteniendo opiniones, ideas o simplemente insultos por “cansino”. Pero es verdad que cuando algún tema te resuena te da la sensación que te va mandando señales todo el rato y necesitas estudiarlo a fondo.

 

En el 2007 recibes tu primer premio fotográfico en el Maratón Fotográfico que organiza la Asociación de Empresarios de Mesa y López, en Las Palmas de Gran Canaria, y desde entonces no han dejado de caer galardones. ¿Cómo afrontas la notoriedad con fecha de caducidad que aporta ganar concursos? 

 

Pues siendo consciente de la caducidad. Los premios son loterías y a veces te tocan y te sientes contento y si llevan asociada una exposición mejor que mejor, pero poco más. No soy especialmente “concursístico” pero cuando llegan suelen ser un desahogo económico que siempre esta muy bien.

 

No tienes reparo en afirmar que la práctica fotográfica es arte. Me resulta significativo que alguien que viene de la formación en diseño (más pragmática) lo acepte con tanta rotundidad….

 

Creo que es el propio diseño el que me ha dado esa rotundidad. También he de matizar que no toda la fotografía es arte aunque cualquier fotografía pueda entrar dentro de un discurso artístico. 

 

¿Qué delgada línea crees que delimita qué es arte y qué no lo es?

 

Es muy complicado. En fotografía esa linea se pervierte todo el tiempo y creo que es lo fascinante. Yo me considero bastante clásico me interesa un tipo de fotografía menos experimental. Me gusta construir mi mundo, trazar mis mapas. Pero vamos que no sabría explicar algunas o muchas decisiones que se toman en el mundo del arte. Al final todo se reduce en expresar algo asociado a un sentimiento y que alguien en algún lugar decida que eso que tu ofreces también a él le revuelve el estomago. A veces ni el artista ni el observador son capaces de explicarlo pero ambos están sintonizados en una misma frecuencia. 

 

¿Cómo calificarías el papel de la fotografía en el mundo del arte actual?

 

Poco a poco se ha situado en un lugar privilegiado. Ha llegado cuando las otras artes tenían un recorrido de miles de años a sus espaldas y ella, tan jovencita y rebelde ha sabido encontrar su hueco. 

Por otro lado la democratización tecnológica ha producido muchísimo ruido visual que obliga a tener algunos conocimientos para saber discernir entre lo mucho que se expone en la actualidad. La tecnología no requiere una gran habilidad y a veces se trata a la fotografía con una mayor exigencia teórica para solventar esos problemas.

 

Muchos espacios han visto tu obra en diversas exposiciones colectivas. ¿Para cuándo la primera individual? ¿Qué proyectos tienes en mente?

 

En la fotografía actual uno de los grandes problemas para hacer una exposición es la producción. Los materiales son muy caros, hacer una exposición en este momento cuando las ayudas han pasado a mejor vida es bastante difícil. Pero bueno espero poder pronto saltar la barrera y realizar mi primera individual.

 

Después de mis dos primeras series propiamente dichas “Exploradores del abismo” y “Plañideros”, ahora estoy trabajando con mas intensidad el Paisaje y profundizando en la idea de memoria, así como las relaciones entre ambos desde una perspectiva personal, realizando cartografías sobre mi memoria paisajista.

 

En 2012 eres seleccionado como uno de los artistas residentes de los espacios de creación artística del Centro de Arte La Regenta. ¿Un honor o una responsabilidad?

 

Honor en un primer momento, responsabilidad cada día que pasa. Queremos aprovechar al máximo el espacio, las relaciones que existen, los proyecto cruzados.... Somos la generación de residentes de la crisis pero creo que estamos aprovechando bien el tiempo.

 

¿Qué es lo mejor y lo peor de la convivencia en un espacio creativo como ese?

 

Lo peor es no tenerlo más cerca de casa porque nos divertimos mucho. Para mi esta siendo un experiencia muy particular. El grupo ha encajado muy bien desde distintos intereses. Comienzan a concretarse proyectos, sacamos otros adelante y sobre todo tienes muchos ojos expertos a los que puedes consultar y que te ayuden a encontrar el camino a una idea que se te bloquea.

 

Fruto de dicha convivencia nace la revista-objeto 'Papel Engomado'. ¿Cómo surge el proyecto y en qué momento está?

 

El proyecto surge de la crisis, la necesidad de no estar parado y tener una fotocopiadora a mano en el centro que nos ofrecían para trabajar. Queríamos hacer un producto que fuera una forma distinta de darnos a conocer y que además se conocieran tanto las residencias como los residentes. La estratégia planteada, volver a lo físico e irnos a una edición con aires de fanzine de finales de los ochenta o principio de los noventa, que fuera un objeto vinculado con el lugar donde se encuentran las residencias. Nace así la revista-objeto. Cajetillas de cigarros recicladas llenas de ideas y planteamientos dispares.

 

Estamos preparando el siguiente número que versará sobre las cartografías y que probablemente saldrá a la luz a finales de septiembre. En breve adelantaremos fechas a través del blog de los estudios :http://estudioslaregenta.blogspot.com.es/ 

 

¿Cómo definirías tu obra y a tí como autor?

 

No estoy seguro de tener un cuerpo de piezas suficientes para llamarlo obra. Estoy navegando entre muchas ideas. La imagen, la desmaterialización del cuerpo, la memoria, el tiempo, el espacio que habitamos y que nos habita, son líneas temática que guían mis trabajos. Todo ello relacionado con una constante investigación de cartografías personales y exploraciones sensible sobre la incertidumbre y lo vulnerable.

 

¿Qué te permite la fotografía digital que la analógica no y viceversa?

 

Son herramientas extraordinarias. En mi caso al no tener una financiación solvente, prima mucho el componente económico. La fotografía analógica en Canarias se ha vuelta algo muy caro. Desde el punto de vista fotográfico aprecio el azar de lo analógico y la corporeidad de la imagen.  En cambio la fotografía digital me ha permitido llegar a campos que eran impensables para mi con lo analógico. Por otro lado me resulta muy sencillo relacionarme con lo tecnológico y poder realizar cientos de pruebas, explorar caminos intransitables antes como el color o los formatos panorámicos.

 

¿Es la tecnología una ventaja o un handicap creativo?


Ventaja. Ayuda a avanzar muy rápido. Por suerte soy emigrante digital y aprendí todos los conceptos con analógico. Todo el lenguaje, técnicas y tecnología fotográfica digital esta basada en lo analógico. Por lo tanto conocer ese lenguaje hace que el trabajo digital sea muy sencillo.

 

Voy a tocar un momento de tu vida que ambos consideramos significativo: estás preparando una convivencia de fotógrafos al que habías sido invitado y entran a robar en tu casa y desaparece todo tu equipo y todas tus fotografías. Sin embargo, la única huella que deja el ladrón al entrar en tu casa es fotografiada y conservada. ¿Una especie de castigo de constricción o un reto a superar en el ego?

 

Es un recordatorio, no solo la he conservado fotográficamente sino que esta protegida en mi casa para que sea el tiempo el que la borre. La desaparición de los registros de mi vida fotográfica produjo un sentimiento de vulnerabilidad del que ha surgido todo mi trabajo posterior, el hecho de haberlo sufrido un par de años antes de la crisis o por lo menos, un tiempo antes de sentirla en nuestras carnes de manera mas evidente, me preparo a esta situación incierta de los tiempos actuales.

 

Hablemos de 'Exploradores del Abismo'. Panorámicas en las que literalmente se ha pulsado el 'pause' y nosotros, espectadores, esperamos que suceda algo…..

 

U observamos algo que ha sucedido, realmente no lo sabemos muy bien. 

 

Todas las instantáneas denotan una inmensa soledad, a veces inquietante, aunque haya presencia humana. ¿Cuál era la esencia a reflejar en esa serie?

 

Exploradores.. se mueve en ese sentimiento de “shock”, casi post traumático. Intento reflejar lo vulnerable y lo incierto de mi situación personal, desde lo sentimental, lo económico, lo familiar... En todos los casos los personajes representa mi persona, mis estados de ánimo. Es un trabajo puramente terapéutico. 

 

'Plañideros' es otra de las series que quisiera destacar. Retratos de dolor, ojos enrojecidos, sufrimiento profundo… un rol que tradicionalmente ejercían mujeres, pagadas por ir a llorar a funerales de alguien, y que tú has cambiado de sexo. 

 

En este trabajo existe una especie de traición por mi parte a ese grupo de hombres de las fotografías. Chicos de mi entorno a los que digitalmente convierto en mártires de algo que no es más que un reflejo personal a mi miedo a mostrar mis propios sentimientos.

 

¿Es el hombre enemigo de sus sentimientos? ¿Por qué se ha acostumbrado la sociedad a esa visión machista del sentir?

 

Culturalmente el hombre no debe enseñar sus sentimientos en público, ya que puede denotar una debilidad aprovechable por el resto. Creo que en una sociedad tan competitiva mostrar un punto débil te hace frágil. En ese sentido “Plañideros” y “Exploradores...” tienen mucho en común, desde lugares creativos muy cercanos.

 

¿Es 'Plañideros' una llamada repulsiva o simplemente un reflejo desvitalizado?

 

Es constatar una evidencia. La serie busca reflexionar sin intención de juzgar, los roles que tienen hombres y mujeres en el momento actual. Traicionar a los hombres para evidenciar sus debilidades frente a la mujer es la herramienta elegida.  En cuestión de demostraciones sentimentales las mujeres llevan mucha ventaja. Creo que ser sentimentalmente abierto, expresarte, ser consciente de las vulnerabilidades personales, tus miedos, anhelos, fragilidades y sueños, a la larga te hace fuerte ante la vida. Con “Plañideros” me apetecía transitar esos senderos.

 

Entramos en el último tramo de la entrevista. ¿En qué momento creativo está José J.Torres ahora mismo?

 

En una sola palabra sería fértil. Poco a poco voy encontrando los temas que quiero desarrollar y eso me hace sentir bien. Aún me queda mucho para definir un lenguaje pero trabajo intensamente para intentar llegar a ello.

 

¿Qué podemos esperar de tu creación en los próximos meses?

 

Lo inmediato lo encontraremos relacionado con mi estancia en los estudios de La Regenta. En septiembre será el turno de “Papel engomado” con un nuevo número y en las primeras semanas de Octubre estamos programando el Open Studio, donde cada miembro utilizará su espacio en La Regenta a modo de sala de expositiva. Será este el momento de mostrar mis primeros pasos sobre el estudio del paisaje que estoy realizando.

 

En noviembre viajo a Madrid para trabajar junto a Mónica Aranegui, con la que formo el colectivo “células-susurrantes” en un trabajo que llevamos realizando desde hace algún tiempo y que tendrá una primera aparición en “Acciones complementarias de BBAA de la UCM”

 

Una colaboración con la fotógrafa Teresa Correa y otra con uno de los artistas de los estudios, Joaquín Artime, espero que vean la luz el próximo año. También resuenan algunos proyectos colectivos para 2013, pero la situación requiere prudencia. Y quién sabe si la anhelada exposición individual pero esto último esta en una fase muy inicial de negociación.

 

¿Es posible vivir de la fotografía en Canarias?

 

De la fotografía sin ninguna duda sí, pero de la fotografía artística eso es otro cantar. Lo bueno que tiene esta forma de expresión es que profesionalmente es muy variada y se pueden hacer muchos encargos, desde los más aburridos y repetitivos hasta los creativos que implican un importante reto. 

 

Test rápido: ¿Nikon o Canon?

 

Nikon

 

¿Blanco y negro o color?

 

Depende del proyecto

 

¿Revelado digital o químico?

 

Idem anterior

 

Un referente internacional

 

Jeff Wall

 

Uno nacional

 

Javier Vallhonrat

 

Uno local

 

Teresa Correa

 

¿Trípode o monopie?

 

Nunca he usado un monopie

 

Equipo actual

 

Escaso y con deseo renovación, trabajo con una D300 de Nikon, Objetivos 12-24mm, 105mm macro, 17-35mm. También una compacta de Canon la G12 que siempre va conmigo. Pero deseo pasarme a ópticas fijas pronto.

 

Tu mejor instantánea


La hija de una amiga haciendo sombras en el suelo este verano.

 

Un objetivo


Llegar a vivir de mi fotografía .... bueno... y comprar un buen objetivo 35mm :)

 

¿Plano corto ó plano abierto?


Abierto

 

¿Estudio o exteriores?

 

Exteriores

 

¿Naturaleza viva o muerta?

 

Agonizante

 

El mejor amigo de un fotógrafo es…

 

Luz y sombra.

 

Banda sonora para trabajar

 

Love of lesbian, Beirut, Bjork, Vetusta morla, Seu Jorge, Bigott

 

¿Y para celebrar el final de un trabajo?

 

Algo en español para cantar a grito 

 

Una virtud

 

Eficiencia

 

¿Y un defecto?

 

Pereza

 

En su defensa… ¿tiene algo que añadir?

 

Ha sido un placer contestar estas preguntas. Muchas gracias por abrir esta ventana informativa y permitirme aparecer en ella.

 

Muchas gracias por la entrevista y nos vemos en la andadura.

 

 

 

 

 

 

 

 





Comentarios


¿Quieres colaborar con nosotros?
es un concepto original de desarrollado con la colaboración de Clickantia.com
Solicitamos su permiso para obtener datos estadísticos de su navegación en esta web, en cumplimiento del Real Decreto-ley 13/2012. Si continúa navegando consideramos que acepta el uso de cookies.
OK | Más información